Кокшетау – Эпицентр театрального искусства в пост-пандемическом Казахстане
Кокшетау – Эпицентр театрального искусства в пост-пандемическом Казахстане
Лаша Чхартишвили
В последние годы, маленький городок Казахстана – Кокшетау стал своего рода международным центром театрального искусства, который объеденяет лучшие театры Казахстана и ближных стран, а также, устаивает лабораторные работы, где будущие или уже профессиональные артисты совершенствуют и равивают своё профессиональное мастерство, повышают квалификацию, расширяют профессиональный круг, что способствует новым отношениям и соответственно, закладывает основу для новых проектов, копродукций, совместных работ. Руководитель Акмолинский областной Русского Драматического Театра (Кокшетау) Бейбит Бахтыгереев является одним из успешных и высокопоставленных менеджеров сферы культуры в Казахстане, который учредил «Лабораторию» и международный театральный фестиваль «Театр Кокше», который проводится уже третий раз. Бейбит Бахтыгереев также успешно руководит Русским Драматическим Театром Акмолинской области. Он не прекращал работу даже в период пандемии и осуществил множество проектов.
Для международного театрального фестиваля «Театр Кокше» 2021-ого года была выбрана более совершенная, академическая и разнообразная программа (особенно это заметно по сравнению с фестивалями предыдущих лет). В период пандемии, организаторы фестиваля наблюдали в засаде и собирали лучшие работы для фестиваля.
Третий фестиваль был торжественно открыт в фойе Русского Драматического Театра Кокшетау 4-ого Октября 2021 года. Собравшихся гостей приветствовали руководящие лица муниципалитета акмоли, выдающиеся театральные работики, члены жюри и организаторы фестиваля, которые представили обществу программу фестиваля нынешнего года.
Программа фестиваля оказалась довольно загружонной и разнообразной, представленная программа, в плане формы и жанра, не однообразна. Она объеденяет кукольные театры, а также драматические, классическую и современную драматургию, представленные спектакли покрывают многие планы и направления. Соответственно, на фестивале были собраны современные спектакли современного репертуара современных театров.
Четью открытия фестиваля и представления первого фестивального показа была был удостоен Русский Академичекий Драматичекий театр столицы - Нур-Султан, который представляет один из самых успешных и прогрессивно растущих театров Казахстана, не только в плане репертуара и мировозрения, а также, в плане правилього выбора и использования творческих ресуров. Его директор – Айболат Жаудыр ориентирован на постоянное развитие и прогресс театра, это стремление же отражается на работу и репертуаре театра.
В Кокшетау, на театральном фестивале, Русский Драматический Театр имени Горького представил « человек-подушка » Мартина Макдонаха. Очевидно, что интерпретация режиссёра Игора Седина была другой и оригинальной, отличалась от других спектаклей, которые были поставлены на многих сценах мира по мотивам одноимённой пьесы Макдонахы, но это другое видение и «оригинальность» режиссёра не принесла ничего особенного театру, так как, мы увидели краткое содержание пьесы Мартина Макдонаха, схематический сюжет, которуй был фрагментически оживлён артистами и был лишён всякой прихологической глубины, смысла, содержания, что опустошило поведенчекую мотиватию главных героев спектакля. Главной проблемой спектакля также является то, что режиссёр не смог сконцентрироватся на одной проблеме и постарался расскрыть несколько проблем. Спектакль не уточнял ни время, своего рода микс эпохи очень эклектично, вместо того, чтобы заставлять нас думать, что проблема существует во всех эпохах. Помимо вышеуказанных проблем, спектакль в некоторой степени стоит на художественном уровне, что является заслугой также театральной труппы. Особо примечателен сценический дует Вадима Халикова (Тупольский) и Дмитрия Маштакова (Ариэль), они являются не только хорошими сценическими партнёрами, но и профессионалами, которые стараются проникнутся в мотивацию поведения персонажа, глубину души и характера, таким образом в совершенстве представить героя. Не менее эффектна Полина Харламова (мать), которой, не смотря на эпизодическую роль, удаётся представить качества характерные для её героини. Сцену и зрителя разделяют монументальная конструкция, похожая на металлическую плотину, которая статична и не двигается. У неё есть функция, метафорическая задумка режиссёра, о разделении двух вселенных (Магдонахы и нашей), что не читается и не работает, зато история, которая разигрывается перед нами, эта наша вселенная, наша реальность, как бы мы не старались отчудится от неё.
«Завтра была война» (сценическая интерпретация по рассказу Бориса Васильева), которую представил Русский Государственный Драматический Театр Семей имени Достоевского, было одним из самых совершенных, хорошо организованным и оригинальным спектаклем на фестивале, поставленный молодым режиссёром Рача Махатаевым. Рача Махатаев уже третий раз сотрудничает с труппой театра Семей, театральный язык и стиль режиссёра уже понятен и органичен для труппы театра Семей, между ними уже довно как состоялся фактор доверия. Взаимное уважение и доверие между актёрами и режиссёром дал хороший результат и зритель увидел спектакль совершенно другого почерка (документально-вербатимный), что представило не только широкий творческий спектр режиссёра, но и актёров участвовавших в спектакле. Режиссёр Рача Махатаев, по традиции, работает только с одним художником – Ильшатом Вильдановым, их тандем свазан с неодным успехом. Также произошло в случае «Завтра была война». Спектакль, который увидел зритель фестиваля, выделяется неклассической манерой повествования, где сценография не ослепляет глаза и представляет часть режиссуры, как и актёры, которые оживляют прошлую эпоху. А также, было выражено, что актёры театра Семей, помимо того, что хорошо поют, также имеют навыки игры на разных музыкальных инструментах. В игре актёров чувствуется ансамбльность и высокое мастерство сценичного партнёрства. Спектакль, который повествует о не так уж далёком прошлом (эпохе Сталина), выделяется мистицизмом, высочайшей условностью, где крайняя условность достигается не только исполнением ролей актёрами, но и использованием реквизитов, у которых имеется мультифункциональное назначение. Как оказалось, одному из региональных театров Казахстана не мешает, чтобы быть современным в авангарде театральных тенденции, так как, их работа доказывает именно то, что география не является главной, главное понимание того, что есть предназначение театра нашего времени и знание, как не отставать от вызовов современного театра так, чтобы не потерять связь с прошлым и создать что-то новое, интересное для современного зрителя.
Оригинальную работу предложил Актюбинский областной театр кукол «Алакай» – «Собака» Нодара Думбадзе. Переход прозы на сцену связан со многими сложностями, но Нодар Думбадзе является тем автором, который хорошо подходит театру, но кукольные театры, в отличии от драматических, не часто ставят его работы. Вдвойне приятно, что прозой Нодара Думбадзе, которая касается универсальных вопросов, глобальных тем, заинтересовался один из лучших кукольных театров Казахстана, который является лидером в центральной Азии, между театрами этого типа. Автор инсценировки – Елена Локшина практически не отдаляется от первоисточника повести Думбадзе и следует сюжету. А режиссёр Антон Зайцев оригинально оживил героев, с которыми мы знакомимся в виде фрагментов и деталей. На сцене мы видим деревянную калитку, после открытия которой, зритель переходит в совершенном другой мир. Зритель воспринимает персонажей фрагментно, сперва мы видим только движение ног, иногда рук, редко лица героев и иногда, фигуры их тел, используя тень. Единственным, которого мы видим в течении всего спектакля, это главный персонаж Пёс, или скорее кукла, которая очень выразительна, чувственна и динамична (художник Асия Курманалина) и самобытным мастерством оживляют актёры: Алия Салитова и Даулет Балапанов. Визуальная сторона постоянно меняется в спектакле, режиссёр и художник удивляют нас избытком выразительных средств, но мы часто сталкиваемся с какими-то огрехами, например, когда буфетчик (Даурен Рысбеков) обливает пса кипятком, кукла реагирует на это явление только голосом, до заживления ран и перед этим, никаких внешних и внутренних изменений не видно, что, по моему мнению, должно быть видно. Напротив, очень эффектная сцена кукла счастливой собаки, вышедшей из воды, которая вытряхает тело и таким образом выражает любовь к людям. Этот эпизод один из позитивных моментов в спектакле и очень оригинально решено, в плане выразительных средств. В спектакле слышатся грузинский текст и песня, которые изрядно отдалены от аутентичности, музыкальное оформление (Дина Ниязова) не способствует созданию настроения, и не создаёт атмосферу, и не последовательна тем явлениям, которые звучат в течении спектакля. Сценография занимает значительное место в спектакле, которая создаёт не только визуальный мир, но и концептуальность тоже. Художник использует несколько планов, которые не открываются в пространстве, а снизу вверх в одной конкретной плоскости. Актёры прелестно рисуют типичных персонажей, но у них недостаёт индивидуализма, что является заслугой клише и штампов в кукольных театрах, которые должны быть забитыми (в большинстве кукольных театрах пост-советского пространства) и зритель должен это воспринимать обыкновенно, реалистично поизношенный текст а не художественно, по-детски, излишне театрально… Работа «Собака» Кукольного Театра «Алакай», не смотря на определённые изъяны, всё таки стоит на профессиональном уровне, который заинтересован творческим поиском, находкой новых форм и выразительных средств.
«26 точка» документальная трагедия, повествовавшая о жительницах женского лагеря, которого общество знает именем Алжир. Женский лагерь Советских репрессий сравнительно близко к городу Кокшетау, поэтому Акмолинский областной театр драмы (Кокшетау) постарался создать спектакль о «героях Алжира». Режиссёр Шамиль Дыйканбаев поработал над спектаклем и текстом, вместе с актёрами Театра Кокшетау, которые выделяются молодёжной целеустремлением, энтузиазмом, профессионализмом и особенной любовью своей профессии. Это труппа, которая постоянно стремится к развитию и это стремление выявляется не только в спектаклях, в которых они принимают участие, но во время фестиваля, когда они с интересом наблюдают за творчеством других, чтобы произошёл обмен опытом, расширение мировозрения. Вербатимный спектакль, подготовленный по документальным материалам, который насыщен элементами физического театра, разыгривается в новой экпериментальном пространстве «Арт-платформа» Русского Драматического Театра Кокшетау, расположеном в подвале театра. В этом камерном пространстве, который построен красными кирпичами, тщательно подходит атмосфере спектакля и данность становится аутентической частью сценографии. Спектакль фактически состоит из четырёх частей: пролог, первая и вторая части, и эпилог. В прологе, во входе театра, нас встречает пионер (Денис Юкало), который и развлекает зрителя, так и наводит порядок и ведёт к пространству. Он является кем-то вроде ведущего спектакля, модератором, который курирует труппу и зрителей, он-же выводит нас из подвала и провожает к сцене, а по ходу, он даёт указания. По моему мнению, у режиссёра была другая задумка в плане этого актёра, например, он должен был приготовить нас для прослушки трагических истории, или чтобы он вёл себя брутально в обращении с зрителем, как советская милиция обращалась с репрессированными и их семьями, чтобы создать настрой и зритель почувствовал строгость и несправедливость эпохи. 9 актёров мастерски, честно, профессионально, непосредственно и без искусственности расказывают свои истории. Они не перевоплощаются, а являются проводниками между реальными героями, ставщими персонажами и зрителем. Несмотря на этот подход, истории, рассказанные и прочитанные (иногда даже разыгранные) актёрами настолько эмоционально действуют на зрителя, что присутствующие не представляют, а видят их боль и переживания, через что проходили эти героини либо герои, во время Сталинских репресии. Акмолинский областной Русский Драматический Театр (директор Бейбит Бахтыгереев, главный режиссёр Ольга Луцива) правильно определил аудиторию: молодёж, которая только наслышена об эпохе Сталина, о его жестокости и бесчеловечности. С помощью спектакля, зритель приобретает знания и некоторый опыт белой могили – Алжира. После завершения первой части, зритель возвращается в традиционном театральном зале, где проводится концерт только для одного зрителья. Перед зрителем оживляется эстрада Советского периода, что актёры прекрасно исполняют. Этим самим режиссёр хотел показать две параллельных мира, тех, у которых Сталин отнял детство, а также родители и общество, которые получают удовольствие и веселятся концертами. Контрастность действий Советского правительства отлично оживляется в третей части спектакля. В четвёртой части, зрителя, вышедшего в фойе, ожидает инсталляция, где мы видим фотографии тех героев, о которых нам повествовал спектакль.
Второй день фестиваля завершился спектакля «Лавина» Тун джера Джуженоглу постановкой Мейрама Хабибуллина в Актюбинском областном Театре драмы. Спектакль разыгрывается на сцене, в камерном пространстве, со зрителями со всех четырех сторон, кажется, что у актеров нет места для действий, как и у зрителя нет места для дыхания. Перед началом спектакля актеры раздали зрителям небольшие листы бумаги, на которых было написано: «Тишина - это шум, к которому мы привыкли», это утверждение режиссера противоречит концепции спектакля, потому что главное суть в том, что действие происходит в тишине. Тем не менее смелость и творческая нахальство молодого режиссера Мейрама Хабибуллина даже приветствуются, ведь она предлагает совершенно иную концепцию, но режиссер не остается верен собственному предложению, и актеры нарушают это правило. Спектакль иногда сопровождается тишиной, а иногда шумом. Спектакль разыгрывается на заднем плане, но сценография метафорична, это второй контраст, с которым мы сталкиваемся в данной постановке. В центре сцены стоит бутаффорическое дерево, на которой висят практически не связанные друг с другом предметы: телевизор, пианино, лопаты, зонтики... Замысел режиссера остается его собственным и он не читает, цель сценографа Аблайхана Аманжола не достигает аудитории. Что касается костюмов, то персонажи почти все одеты одинаково (понятно, почему они такие же, как серое общество, люди, послушная толпа), за исключением дедушки, который уже отличается от остальной семьи, но у него также есть товарищ, внук, мальчик, который на самом деле является героем, он не носит его по-другому. Тогда возникает вопрос, а почему все носят одинаковую одежду, если характеры персонажей не похожи друг на друга? Это также третий принцип, который нарушила сама постановочная команда. Многие вещи в этом спектакле остаются непрочитанными и непроигранными, в том числе почему надевают наушники, когда дедушка начинает говорить, это понятно впервые, потому что у старшего есть протест, а напуганная, обнищавшая публика не хочет его слышать, но это принцип не поддерживается полностью.
Молодой режиссер Мейрам Хабубуллин много раз пыталась наладить прямое, прямое взаимодействие с аудиторией различными способами (раздавая розовые очки, обмениваясь стульями со зрителями и т. Д.), но это взаимодействие также остается неигранным, потому что актеры не имеют четкие задачи, цели, четко определенные задание... Что касается актеров и их манеры игры: в программе спектакля указано, что Актюбинский областной театр драмы представляют психологическую драму, однако актеры не работают в этом жанре и подходят к театру более игриво, потому что они показывают чувства персонажи не изнутри, а снаружи. Принцип психологической драмы нарушается даже тогда, когда во второй части спектакля один из актеров сообщает зрителям (по принципам эпического театра Брехта), что сейчас будет разыгран фарс, но в спектакле ничего не меняется в способах игры актеров. Среди актеров выделяются по исполнению: Максим Винс (молодой мужчина), Татьяна Кинжибаева (повивальная бабка) и Артем Москаленко (глава общины). Они создают типы персонажей и запоминающиеся лица. Актеры чувствуют атмосферу, характер персонажей и траекторию их действий. Думаю, «Лавина» станет для театра интересным опытом, который покажет слабые места, которые Актюбинский областной театр драмы постарается исправить в реализации дальнейших проектов.
Одним из самых ярких, ярких, позитивных, игривых и грустных юмористических спектаклей фестиваля стал «Тот самый день», представленный Театром Темиртау под управлением Владимира Дроздецкого и Павла Авдюкова. Спектакль принадлежит современному российскому драматургу Ярославу Полуновичу, в котором, помимо жизненных проблем современности, расцветают библейские аллюзии. Спектакль рассчитан на зрителей любого вкуса, мировоззрения, интеллектуального потенциала. Каждый получит от этого спектакля свою долю удовольствия и новые знания. Помимо постановки пьесы, полной утонченного юмора и комических элементов, режиссеры показали практически исчезнувшее направление работы с актерами - умение работать с актером, умение правильно распределять роли, в результате чего получилось не только умение работать с актерами, и мастерство в ремесле. Подавляющему большинству актеров даже в эпизодических ролях удается не только выделить персонажей, но и рассказать их истории и приключения, которые мы не видим непосредственно во время спектакля, мы их просто чувствуем...
Спектакль Темиртау «Тот самый день» ярко, с юмором и грустью раскрывает не только особенности сущности современного русского, но и сущность современной человеческой жизни, людей в этом мире в целом, которым приходится сталкиваться с множеством проблем. Спектакль разыгрывается в нескольких плоскостях. Первый эпизод начинается с, казалось бы, обычного, повседневного, рутинного диалога матери (Людмила Гулуева) и ее дочери Марии (Ирина Мальчихина), который на самом деле представляет собой спор между философскими постулатами, новыми (современными, текущими) вызовами времени и ценностями, вид сестринства. Этот повседневный диалог позволяет вам делать обобщения между двумя конкретными персонажами. В результате этой дискуссии матери и ребенка Мария начинает свое путешествие в мир неизвестный или забытый, и на пути к цели она встречает не только множество препятствий, но и разных людей, что помогает главной героине познать суть мира. Трудно выделить кого-либо из актеров из этого ансамбля сложно, каждый из них с большим энтузиазмом работает самостоятельно даже в эпизодической роли. Труппа говорит на одном языке, несмотря на возрастную разницу. Это единство и солидарность заметны на протяжении всего спектакля. Нельзя не выделить главную роль, роль Марии Ирины Мальчихиной, которая является осью спектакля, вокруг нее собираются все персонажи, актриса не уходит со сцены и, несмотря на такую нагрузку, мы следим за рейтингом её героини, что выражается в использовании разнообразной палитры исполнительских приемов за счет владения исполнительским мастерством. У неё нет фальшивых моментов в спектакле, она всегда естественна, натуральна и правдива. Это достигается большим мастерством актера. Также заслуживает внимания Наталья Снегирова, которая также играет мать Алеши (тётя Лида) и православного активиста. Актер оживляет кардинально разных персонажей таким образом, что зрителю сложно восстановить связь между ними. В эпизодической роли играет Ольга Зверева, которая играет роль бармена, у нее всего один, небольшой диалог с главным героем, но он настолько важен, что зрителю невозможно забыть мимику и характер этого персонажа. . Не менее важные персонажи создают - Анастасия Агафонова (Анжелика), Валентин Бухонов (депутат), Владимир Хомутов (Ростислав) и другие. Айдар Мукашев (Игорь) и Роман Гузель (Матвей), играющие в спектакле роли геев, не теряют чувства умеренности. Они разных типов, но традиционно и банально не преувеличивают персонажей. И здесь режиссер насторожен и даже не высмеивает их, а представляет их как обычных членов общества с их глубоким внутренним миром, болью, радостью, счастьем и несчастьем. И публики нет чувства протеста против них, и в этом заслуга режиссера, рисующего разнообразный мир - общество. Единственное, что мне показалось неактуальным из контекста и эстетики спектакля, - это сценография художницы Татьяны Ушаковой, которая не может приобрести в спектакле ни идейной, ни художественно-эстетической функции, чего нельзя сказать о ее костюмах. Напротив, костюмами он помогает выделить характеры героев, при этом зритель имеет широкое восприятие духовного мира персонажа.
Настоящим разочарованием оказался «Гамлет» Русского драматического Театра Шымкента, одна из самых популярных и сильных трагедий Шекспира, поставленная Алексеем Шемесом, была направлена на создание классической, традиционной, хрестоматической версии «Гамлета», театральной иллюстрации, а не театральной интерпретации. Способ иллюстрации для режиссера и театра оказался основным не только по отношению к Шекспировскому тексту, но и по форме. Следовательно, в спектакле часто бывают эпизоды, которые постановочная команда невербально выражает в хореографии. Хореографическое решение некоторых сцен, служащее своеобразным припевом к спектаклю в обоих действиях, одновременно эффектно и впечатляюще, но совершенно излишне и ничего не дает самому спектаклю (хореограф Оксана Чумакова). Сам спектакль выполнен в форме традиционного, классического драматического театра Алексеем Шемесом, режиссер не предлагает ничего нового, интересного и особенного, поэтому запах нафталина ощущается со сцены изнутри. Этому настроению способствуют сценография (с тремя станками, без которых в спектакле ничего бы не было) и эклектичные, типичные для позднего средневековья костюмы, которые, по сути, еще больше отдаляют друг от друга современного зрителя и актеров трагедии. Режиссер старается максимально дистанцироваться от личной трагедии принца Дании и истории разлагающейся системы Датского королевства в мифический мир, далекий от современности, создавая тем самым псевдосреду на сцене, чему же способствует систематическое воздействие дыма на сцену, которое настолько искусственно, что полностью снимает фундаменту загадочности. Сам спектакль излишне театрализован, эстетика соответствующего спектакля устарела, забыта и почти выродилась-вымерла, что и возрождает Шымкентский театр. Определить эпоху, в которой разворачиваются события в спектакле, сложно, ведь костюмы указывают на другое время, движение и манера разговора актеров совершенно разные.
Я упомянул хрестоматию в связи с вышеупомянутой постановкой. Да, пьеса Алексея Шемеса - это художественная иллюстрация полного текста шекспировского «Гамлета», а не интерпретация, некий монументальный холст, лишенный художественной ценности, с которым мы много раз сталкивались в общественных местах, но прошли мимо, потому что это не влияет на нас, наоборот, оставляет нам чувство неловкости. Знаменитый монолог Гамлета о бытие и небытие - отдельная тема, которую Рахимжан Кенжаев произносит как стихотворение. Молодой актер вносит в роль Гамлета фактуру, сценическое обаяние, пластичность, профессиональное мастерство, что делает эту роль фактически на интуитивной основе, а его артистический ресурс используется не в том направлении. Думаю, у Рахимжана Кенжаева, а также у Офелии в исполнении Ольгой Ивановой (у нее есть дублёр Татьяна Миненко) есть ресурсы для создания важных артистических сценических лиц. Они также казались самыми искренними в спектакле, поскольку были свободны от сценических штампов, в отличие от актеров в ролях Клавдия и Гертруды. Анатолий Петриченко, играющий Клавдия, отличается манерностью, пафосом и позированием, а Галина Петриченко (ее дублёр Олеся Жукова) рисует этими качествами странный персонаж. Созданное ей образ Гертруды напоминает бездушное и безжизненное чудовище, более опасное и беспощадное, чем Клавдий. Было бы интересно, если бы такое решение было целью режиссера, но это невольная «находка» актера в результате несовершенного владения профессиональными навыками. Любимый мужчина Гертруды умирает, также её единственный ребенок, и она это воспринимает так, как будто ничего не случилось (и, не удивительно, что она не страдала из за смерти ни Офелии, ни Лаэрта), а затем совершает самоубийство, не оценив, что произошло. Вообще финальный эпизод спектакля - серия убийств и самоубийств – деёт скорее комический, чем трагический оттенок.
Дело в том, что ресурс актеров в Шымкентском Русском драматическом театре действительно есть, в том числе неприкосновенное (очевидно из театральных штампов) молодое поколение, которое умеет создавать важные артистические лица, главное правильно использовать свой ресурс и ориентироваться на результат и развитие.
Акмолинский Драматический Театр в рамках фестиваля представил очередную постановку оперы Мартина Магдонахы «Сиротливый запад». Сам факт реализации драматургии Магдонахы свидетельствует о реализации прогрессивной и ориентированной на современность репертуарной политики театра. Немного в стороне от главной сцены Русского Драматического Реатра Кокшетау открылось еще одно арт-пространство в подвале того же здания, где проходили несколько спектаклей. Среди них - «Сиротливый запад » Мартина Магдонахы в постановке Шамиля Дыйканбаева. После просмотра спектакля у меня сложилось впечатление, что автор постановки, несомненно, талантливый, творческий и вдумчивый режиссер, но у него нет желания доводить задуманное до совершенства, детально обрабатывать поставленные цели. Поэтому спектакль производил впечатление бесконечности. Он может объединить группу единомышленников, объединиться вокруг одной идеи, но не работать с ними глубоко, но он встретил энергичных и увлеченных молодых людей, которые могут одновременно работать над художественным образом, одновременно петь и играть на музыкальных инструментах.
Режиссер Шамиль Дыйканбаев одновременно попытался деконструировать пьесу Магдонахы и предлагает совершенно оригинальный стиль повествования, речитатив, музыкальное сопровождение и текст, постановка насыщена деталями, типичными для физического театра, что раскрывается в стилистике повествования. Допускает крайнюю условность и не прерывает действительность. Этот принцип контраста логично помещен в общее решение пьесы. Режиссер прибегает к прямому интерактиву, хотя и безуспешно, что тоже объясняется неопытностью актеров. Интерактив вообще не «работает» в пьесе и не дает ничего хорошего или необходимого для пьесы.
Творческая группа решила пьесу Магдонахы в форме синтеза рока и драмы, которые идеально сочетаются друг с другом. В спектакле полностью задействованы 4 актера-музыканта как видимые, так и невидимые участники. Главные роли в спектакле исполняют молодые актеры: Мадияр Жакип (Коулман), Джекбатир Камен (Вален), Батирхан Сабир (Отец Уэллс) и Жанна Хомец (Хурлин). У каждого из них как актера были важные эпизоды в спектакле, доказавшие, что они перспективные актеры, обладающие профессиональным мастерством и важными навыками, необходимыми для актерской игры. Особо следует отметить исполнение Жанны Хомеци и Батырхана Сабира, которое отличается крайней реалистичностью, искренностью, прямотой.
«Зверные истории» Дона Нигро были представлены на фестивале театром Актау под названием «Дикие истории » под руководством Гульсины Маргалиевой. Спектакль построен на монологах животных и реже на их диалогах. Темп-ритм спектакля и вовлеченность зрителей обусловлены неодинаковым мастерством актеров. Слушать несколько монологов подряд довольно однообразно, хотя некоторые актеры доводят такую историю с таким мастерством, что зритель доводит ее до конца и ей сочувствует. Я думаю, что художница Мира Токсанбаева, если она хочет быть включенной в список современных сценографов, должна идти в ногу с требованиями современности. Это касается не только видения, но и технической стороны современных технологий декорирования. Интересные эпизоды-монологи-диалоги с актерами подарили Гуль Зятова (мышь, кошка, корова), Марина Федоренко (кошка), Эльмира Керимбаева (корова Офелия) и Маншук Джайлибаева (корова Элиоза). Мастерство этих актеров спасло практически весь спектакль и творческий коллектив, с большим мастерством исполнивший несколько ролей. Они создавали персонажей и рассказывали нам истории, которые эмоционально волновали зал.
Интересный спектакль представила независимая частная Екатеринбуржская театральная труппа (Россия) «Театр Тут ». Мы видели совместную работу Дмитрия Наустроева и Катерины Вяликовой «Спутники и кометы», являющуюся оригинальной интерпретацией пьесы Романа Козирчикова. Спектакль является гибридным по форме: один актер рассказывает свою историю вживую, фактически воплощенную в жизнь актерами. Виртуальные персонажи, которые входят в спектакль через видеопроектор, а на сцене в равных условиях находятся Артур Сафин на глазах у публики. Молодой актер рискнул, фактически выступив с монологом перед публикой, которая более часа пыталась удержать публику своей историей. В этом ему помогают виртуальные персонажи: мама - Марина Гапченко, Анна - Катерина Вяликова, Татьяна - Ия Шаблакова и Олег / Сережа - Михаил Чемезов. Актер часто рассказывает нам от первого лица, Хан также вступает в диалог со своими виртуальными партнерами, персонажами спектакля. Что интересно и примечательно, так это то, что в сценах, показанных видеопроекцией, актеры ничего не иллюстрируют, ни текст, ни события. К сожалению, главный герой не развивается, актер фактически находится в неизменном настроении, читая монолог с однообразной дозой эмоций. Этот монолог - монолог, прочитанный актером, и мы не можем воспринимать его как персонажа спектакля.
Интересная режиссерская работа - «Абай-Впечатления» в исполнении Антона Зайцева в Государственном Кукольном Театре Алматы по мотивам стихов Абая. Молодого режиссера явно отличает неиссякаемая фантазия, смекалка, тонкий вкус, эстетическое мышление. Его работа является к режиссёрскому спектаклю, где режиссура является основной составляющей постановки, а его игре способствуют все другие составляющие пьесы, в том числе актер. Антон Зайцев образно передает мир Абая, для чего использует и живого актера, и куклы, или детали. Спектакль отличается обилием выразительных средств, где партнерами друг друга иногда являются куклы, иногда люди, а иногда и то и другое вместе. Особенно впечатляет свадебный эпизод - самая интерактивная, позитивная, веселая и яркая часть спектакля, а также сцена «Петрушки». Именно здесь раскрывается масштаб профессионального мастерства актеров Кукольного Театра Алматы, их талант и профессионализм, мастерство ношения и преображения куклы. Весь спектакль решен в темных тонах, что способствует созданию мистики. Поэтому сам режиссер относит постановку к жанру фантасмагории.
Последний спектакль Третьего Международного театрального фестиваля «Театр Кокше» в 2021 году поствятился Бишкекскому Городскому Театру, предоставившему «Вишневый сад» А. Чехова Татьяны Захаровой, а точнее - адаптированная театральная иллюстрация чеховского текста. В широком списке сценических интерпретаций знаменитого произведения Чехова спектакль не может занять своего места ни одной составляющей, потому что он фрагментарен, мы не находим в нем ни одной профессионально поставленной цели, поэтому актеры неловко просто ходят, двигаются, выходите и переходите от этапа к этапу. Жалко, что ни один актер не может изобразить характер персонажа, которого он играет, потому что им не хватает глубины, понимания характера персонажей, определения мотивации к действию. Сценограф спектакля Юлдаш Нурматов весьма отстал не только по эпохе, в которой мы живем, но и по современным театральным технологиям, а созданная им примитивная сценография не отвечает эстетико-художественной потребности. Наряду с этими недостатками мы видим труппу, у которой есть творческий ресурс, но он не реализован должным образом.
Над третим международным театральным фестивалем «Театр Кокше» работало международного жюри, целиком состоящего из театральных критиков: Нияза Игламова, Глеба Ситковского, Лаши Чхартишвили и Санией Кабдиевой. Последняя была председателем жюри, которая является президентом казахстанской секции Международной Ассоциации Критиков. В конце каждой пьесы проводилась встреча с труппой для обсуждения пьес. Этот процесс был обнародован и доступен любому заинтересованному профессиональному кругу. Международный Театральный Фестиваль Кокшетау из года в год набирает силу, уточняет программу, обостряет авторитет, расширяет границы, разнообразит жанровый репертуар, объединяет театры и поколения, а главное, способствует не только развитию и популярности казахского театра, но и к его международной популярности.